大师约瑟夫在写生时说：自然的景色太丰富太美了，我很容易陷入到细节中然后又退回来把画面拉入到整体里！可见创作并非易事，需要时常变换不同的思考位置。从细节到整体再到细节。
我们很多人时常临摹他人的作品还算可以，可是一到自己创作、写生的时候就像泄了气的皮球。
甚至有些人，只想临摹，不愿动脑尝试创作。如果没有创作的追求，临摹就失去了动力和意义。
那么，从临摹到创作，我们平时需要多做些什么来保持创作的灵感呢？
01多思考
临摹从来就不是简单的复制。只是简单的临摹，不去思考，完全没办法学到足够支撑你创作多的东西。那需要我们思考什么？
①临摹对象创作背景
拿到一个参考照片，我们要观察这幅图画、摄影里衬托主体事物的景象。
你是想重点表现前面的房子？还是那棵树？还是那个人？同样一幅画，不同的重点，出来的效果也会不一样。
搞清楚作者的创作背景，可以让你更好的分清主次，帮助你下次碰到同样主题画更好的运用。
②作者运用到的知识点
人物有三庭五眼，风景有远近虚实，素描有明暗交界线，水彩的技法……等等。
这些都是硬知识。
我们不仅要记录下来成为自己的，还要思考，为什么他要这样用，他是怎么表现的，有空闲的时候翻一翻可以加深记忆，运用的时候会更加得心应手。
③养成批判分析的习惯
我们永远不要对原作者的作品不加分析地就全盘接受。
俗话说：一千个人眼中有一千个哈姆雷特，不需要和别人一模一样，你也不可能和他人看到的一模一样。
不需要生搬硬套的学习，取长补短才能帮助自己更好的成长，以及形成自己的风格。
02多练线稿
一幅画，型是基础更是最关键的一步。有一句叫做，线稿通，则百通，那么如何做到对线稿心中有数呢。
①关于构图
近大远小、近实远虚、近高远低；
点线面结合，一点透视，两点透视、圆形透视等。
②关于画面元素
元素可是适当的增减。
元素与元素的关系。物体与物体有遮挡关系，一幅画才有一个层次，如果个体与个体都是单独存在的，那么整个画面就会很“散”。
③关于明暗
由于光的强弱、空间的远近、体积的方圆、颜色明度的深浅等变化，画面会产生不同的虚实、深浅、刚柔等微妙变化。
明暗交界线。利用线稿突出立体感、空间感、层次感。
03多涂鸦
绘画需要先随手涂鸦，释放天性，激发自己的创造力。而不是在一开始就要求自己画的好，画的像。
很多人，不敢创作的重要原因就是，心气拔的太高了。认为创作了就必须要画好，创作了我就是一个“画者”了，画不好就对不起自己的“创作者”身份。
其实并没有谁的创作每一次都是成功的。唱歌，调子起的太高，容易跑调。绘画，心气拔的太高，容易弃画；
不停笔，生活中随时随地都可以开始创作，一旦习惯了画画，只要一有业余时间就会不自觉地观察自己周围的事物。这样可以不断的培养手感习惯绘画，还可以训练你观察力。
《突然想画画了》中的韩国艺术家说：只要保持画画的习惯你就可以慢慢积累自己的作品，而跟画作一起积累起来的是你的绘画实力。
04多收集
艺术创作无法凭空完成。所以，必须要有素材的积累，帮你作为绘画时的参考。不做素材收集的人，一到创作的时候都会有点懵。
有时候，一幅完美的画往往来自于不同照片元素的集合。
时常写作的人都会有自己的写作素材库，而绘画我们也需要建立自己的绘画素材库。
像堆糖，豆瓣，还有微博，小红书等等，不管是他人的艺术作品还是平时看到的摄影图片，只要画面独特，构图有意思，平常我们看到都可以随手保存下来。
摄影图片不仅对绘画学习有着相互促进的重要意义，还可以作为下次创作素材的参照或是灵感。
最后补充一句，从古到今，几乎没有一个书法家不是从“临摹-创作-再临摹-再创作”这样循环反复的过程中艰难地走过来的?；婊嗍侨绱?，时常的临摹，时常的创作，日积月累，你才可能创作出属于自己的画风。
